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钢琴是由fortepiano进化过来的，时间打开是莫扎特的中期。

钢琴（piano）全称为pianoforte，意思就是“强－弱”。世界上第一架钢琴一般公认是Bartolomeo Cristofori在1700年在佛罗伦萨制造的，他将自己的新玩意儿命名为“gravicembalo col piano e forte”，意思是“能表现强音和弱音的羽管键琴”，这就是pianoforte这个词的来源。钢琴此后在巴赫、克莱门蒂、莫扎特、贝多芬（使用英国钢琴，开始充分运用踏板）、舒曼、肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫（出现自动钢琴，拉氏还在自动钢琴上录制过一点东西，很有意思）、巴托克（开始尝试将钢琴当作打击乐器使用，如第一钢琴协奏曲）、乃至约翰 凯奇......等作曲家中得到不止的发展。
最近看了一部关于利盖蒂的纪录片，其中出现了一部只能用自动钢琴演奏的乐曲，也许这曲子的复杂程度超越了人所能掌握的技术......

（修改：chai_xiong 2004-07-09 22:30）

乐器的演变与演奏技术的发展

一般而言，当某一工具的制造方法和自身结构基本定形后，它的使用方法和使用技术也就基本定形了。作为艺术表演工具之一的钢琴也不例外。自1835年美国人豪金斯在钢琴上装了铸铁架并采用了交叉排弦法后，钢琴演奏的基本技术便没有再发生什么重大的变化——钢琴作为乐器的成熟与它的演奏技术的成熟是同步的。也可以这样说：钢琴这一乐器的进化与成长与它的演奏技术的发展是同步的。
如果寻根溯源，钢琴的先祖可以追溯到扬琴和管风琴这两件古老的乐器上去。从发声方式上讲，扬琴是钢琴的祖先。扬琴大家想必都见过，中国民族乐器中的扬琴和欧洲的扬琴没有什么太大的区别，因为它和琵琶、二胡一样，本来就是从西域或匈奴、羌人那里“引进”的，只不过“洋为中用”之后它变得更美观，击弦用的槌子变得更纤巧了。它的演奏方法是由演奏者双手持两根木槌通过击打琴箱上的琴弦来发声。这和现代钢琴用手指按动键盘，通过一组杠杆机械带动琴锤击打琴弦发声的基本原理是一致的——都是以锤击弦，都是使用人力，只不过扬琴是直接地敲，钢琴是间接地敲。
如果要追寻钢琴演奏方式的起源，那么管风琴无疑是钢琴在这方面的祖先了。管风琴是靠风箱鼓动空气通过音管发音的键盘乐器，它是最古老的键盘乐器。有案可查的第一架管风琴建于公元前三世纪的希腊，但当时的键盘是什么样子的我们也已无从知晓了。不过可以肯定的是，钢琴演奏技术的发展便是从此起步的，因为钢琴演奏技术的中心问题就是对键盘的操纵，有了键盘，就有了操纵它的技术问题。
在相当长的一段时间内，管风琴的键盘是很不规范的。每架琴琴键的宽度和排列顺序几乎都有所不同。直到中世纪，管风琴的键盘才大致有了一个统一的模样。但那时的键盘和我们今天熟悉的乐器键盘还有着很大的区别。首先，它没有黑键，也就是没有调式以外的变化音。这主要是因为当时的管风琴是专门用于演奏旋律性的宗教素歌的，而这些素歌是纯调性的，因此只用“白键”就足够了。第二，当时的琴键比现在的琴键要宽大，这也是因为它所演奏的宗教素歌多是音域不宽，节奏单一，速度适中的旋律，不需要考虑演奏中手指移动的速度问题。而琴键的宽大会使演奏中的失误率减少很多，因此当时的琴键都是胖乎乎的。当年的演奏者一般只使用中指和食指按动键盘，而其他手指均弯曲地贴着掌心，那样子好像现在表示胜利的V字形手势。可以说当时的键盘演奏还处于“婴儿期”，演奏技术是很幼稚的。
随着宗教素歌和圣咏中变化音的出现，管风琴的键盘也发生了趋向于现代键盘的变化。最先出现的黑键（当时的短键并不一定都是黑色的，但是为了叙述的简便在此且统一成为黑键）是ьB音，之后其它的黑键也相继出现。在十五至十八世纪，键盘的形式基本定型了：它拥有七个宽而长的键（即现在的白键）和五个短而窄的键（即现在的黑键）。琴键的宽度也基本固定了，键盘上的八度的跨距是由人手的平均跨度决定的，这一跨距被固定下来直至今天，被用于大多数正规的键盘乐器上。键盘上至近现代仍在变化的是琴键的长短，但只是一些细微的差别。比如一百年前制造的美国斯坦威钢琴比起现在的新斯坦威琴键要短一点点，这在其它品牌的钢琴中也很常见。这主要是因为琴键长度的细微变化对演奏者技术的运用没有决定性的影响，而这些变化的原因也主要是乐器制造师及模具的更新换代造成的，并非出于刻意。
现代化的键盘诞生了，这是管风琴作为老祖先给予钢琴这一晚辈最重要的遗产。在此之后，管风琴作为独立的乐器继续发展至今，它的演奏技术与钢琴演奏技术有许多共同之处。但在“文艺复兴”时期之后，在“孕育”钢琴的这一任务中，管风琴可以说完成了它的历史使命，而把“分娩”的任务留给了另外的两种古老的键盘乐器——羽管键琴和古钢琴。

羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Clavichord）的汉译名一直比较混乱，如羽钢琴也可被叫做拨弦古钢琴、大键琴；古钢琴也可被叫做克拉维科德、钢片琴、楔槌键琴等等。
羽管键琴的外型与现代钢琴有几分相似了，较大型的羽管键琴与现代钢琴的高度相仿，也是由三到四根琴腿做支撑，但其琴箱呈翼形，比现代钢琴窄且短，音域也只有四至五个八度。羽管键琴基本上可以算是一种高度机械化的拨弦扬琴，当演奏者按下琴键，会带动一组叫“顶杆”的杠杆装置，在其顶端装有用鹅羽管或皮革制成的拨子用来拨动琴弦发声。在成熟时期的羽管键琴内还装有制音器，其制音原理和使用的材质均与现代钢琴的制音器相仿。在羽管键琴上，演奏家对力度的调控是微乎其微的，而要想进行音色的变化则完全不可能。羽管键琴的制造师也曾在这方面动过些脑筋，比如用“强”、“弱”双层键盘来加强音量上的对比，或安装花样繁多的踏板以增加音色上的变化，但都收效甚微。尽管如此，羽管键琴制造师这些丰富的想象力均给后世的钢琴和电子琴制造者以有益的启发。
羽管键琴的流行开源于十五世纪，但由于其音色单调，声音比较干硬，因此在早期主要用于伴奏和在乐队中弹奏固定低音，直到十六、十七世纪它才开始被用于独奏。由于它的琴键较轻，演奏者只需使用手指和掌关节的力量便可以从容地演奏，更由于它没有多少在力度和音色上做变化的余地，因此当时的羽管键琴演奏技术的原则是以手指的灵巧与独立为中心的。至于演奏者整身力量的运用和手臂与手腕的协调合作则被视为禁忌，因为为演奏羽管键琴这样的乐器而去调动如此多的能量是完全无效的浪费。
羽管键琴后来并没有像下面我们将要介绍的古钢琴那样完全被钢琴所替代，虽然在十九世纪它也曾被人冷落，但它还是顽强坚持并等到了二十世纪初其自身的复兴。
古钢琴的内部机械原理与羽管键琴相似，不同的是在其连接琴键的杠杆的末端不是羽管拨子而是黄铜小薄片。羽管键琴是以羽管拨子拨弦发声，因此音色单调但音量较大；而古钢琴是以黄铜薄片敲击琴弦发声，因此音色优美但音量较小。因此古钢琴通常被用于家庭和宫廷内自娱性的演奏，或是被当做管风琴演奏家在家中进行练习时使用的乐器。
古钢琴的外形各式各样，比较多见的是放在桌子上呈梯形的样式，其音域为四个八度左右。虽然它不是一件在音乐会上使用的乐器，但有许多巴洛克时期著名的键盘作品却是为它而写的。如巴赫的《创意曲集》，亨德尔的《组曲》，斯卡拉蒂的一部分《奏鸣曲》，甚至巴赫的《平均律曲集》中的许多首都是为其创作的。当然，在那个时代很少有专门指定为羽管键琴或古钢琴创作的作品，一般只统称为“键盘作品”，但以上这些主要以练习和自娱为创作目的的作品，被古钢琴演奏的机会应该更多一些。
在巴洛克时期，音乐体裁的重点已从文艺复兴时期的声乐渐渐转为器乐。人们对于乐器的性能、音量、音色、适应性及表现力的要求越来越高。在这一时期几乎所有的乐器都在进行改良：提琴类主要在琴弓的形状和琴弦的数量上进行变化；管乐类则开始在乐器上加装复杂的机械按键使其可以演奏带转调的作品；而键盘乐改良的目标则是增加乐器在音量、音色方面变化的可能性。经过几代制琴大师的努力，钢琴终于在1709年正式诞生了。
钢琴的“父母”无疑是羽管键琴和古钢琴，因为它分别继承了羽管键琴的外形和古钢琴的发声原理，也就是说，它是羽管键琴的壳，古钢琴的瓢。它的“助产士”是意大利人克里斯托夫利（Bartolomto Crisfori），一位生于帕多瓦的羽管键琴制造师。1709年他制造了一架可以演奏强弱音的羽管键琴，并将它命名为“gravicembala col piano e forte”意为“有强弱音的羽管键琴”，后来的人将这种新式乐器简称为“piano forte”意为“弱、强”，从名字上我们对于这种乐器较之以前的键盘乐器的进步一目了然。克里斯托夫制作的这架“弱、强”以一组槌的击打来代替羽管键琴对琴弦的拨动，因此使演奏者对击弦力度的控制成为可能。1720年他又将其进一步改进，把琴槌下落的力度分等级，将制音器从琴弦下面移到了琴弦上面，并将音域扩大，超过了四个八度。可想而知尚处于婴儿期的钢琴还会有许多不完善甚至惹麻烦的地方，因此当J.S.巴赫演奏了德国人西尔伯曼（Gottfried Silbermann）于1726年制造的“弱、强”后，表示不喜欢，这刺激了乐器制造者对这一新生乐器进行进一步改良。他们为了增加声音的洪亮度并为了帮助承受住新发明的槌子机械装置的打击，开始设置更结实的弦及更大的共鸣箱，琴槌的材质也由金属变成了包有鹿皮的木槌。1747年巴赫终于接受了这一乐器并在波茨坦宫晋见腓特烈大帝时演奏了它。从此这种名为“弱强”，在中国现在被称为“钢琴”的乐器在整个欧洲大陆迅速成长和流行开了，最终夺取了管风琴“乐器之王”的宝座，成为了键盘乐器的霸主。

从1709年钢琴正式诞生至1835年钢琴基本定型这一百多年期间，钢琴经历了作为乐器自身发展完善的过程，同时钢琴演奏技术也随之经历了从单一到全面，从简单到艰深，从手指到整身，从束缚到解放的发展过程。可以说，这一百多年无论是对于钢琴本身还是钢琴演奏技术，都是以空前速度飞跃发展的时期。在这期间至少有三次划时代的变革，从而决定了钢琴演奏技术发展的走向。
第一次变革发生在钢琴刚诞生的时候，其领导人就是大作曲家J.S.巴赫的儿子：C.P.E.巴赫。由于此时钢琴相对羽管键琴和古钢琴有了在力度上做变化的可能，更重要的是演奏者可以在其上面做出渐强和渐弱的效果，因此演奏者需要具备能够将一个旋律或经过句演奏流畅并富有表情的能力，这就需要掌关节有更好的灵活性和更强的力量，更细致的去控制键盘。因此大量专门为训练手指力量和提高手指跑动速度的练习曲也应运而生了。钢琴技术训练从以J.S.巴赫的《创意曲》为代表的训练头脑为主逐渐转为以克莱门蒂《名手之道》为代表的训练手指为主，专门、系统化的钢琴技术训练体系开始形成。由于当时的钢琴琴键较之现在仍然较轻、较浅，因此触键的绝对平稳、灵巧干净的演奏是C.P.E.巴赫的理想，诸如在练习音阶时在手腕上放一块硬币或一小杯水的训练方法，据说便是他和他的学生克拉莫发明的。(也有人认为是克莱门蒂发明的，他也是这一学派的代表人物.)
由于当时钢琴的体积和琴槌等部分的材质与现在都有所不同，因此十八世纪的钢琴和今天的钢琴在声音上有很大的不同。现代钢琴的琴槌使用毡制作的，而当时的琴槌是一组由鹿皮包裹的木槌，并且要小得多，因此当时钢琴的音色非常明亮却比较单薄，较少柔润感。直到十九世纪初，琴槌改为完全用多层皮革制成，体积也变得更大。同时，类似于现代钢琴延音踏板的装置也广泛地被使用。这就使在钢琴上做Legato(连贯)成为了可能，因为此时钢琴的声音不仅变得柔和了，而且还可以短时间的持续。
与此同时，钢琴技术的第二次变革发生了，其领导人就是贝多芬。此时演奏的歌唱性第一次被提到与灵活、快速、准确等等相同重要的高度。不过要想演奏富于歌唱性和感染力的旋律，只凭手指和掌关节的运动是不行的，它必须求助于手腕和手臂的调节才可能做到。因此在手腕上放一杯水弹琴的方法不再适用了，从此手腕和手臂也开始得到了初步的解放。
尽管如此，演奏时手腕和手臂要保持不动的准则仍然被遵守着，虽然据记载，贝多芬本人的演奏并不太顾及这一准则，但他却要求他的学生做到这一点。这一对演奏者产生极大束缚的教条直到李斯特的出现才最终被打破，迎来了钢琴技术的第三次变革，也使钢琴这一乐器进入了成熟期。
李斯特是“整身弹奏法”的先驱，也许他本人当时没有提出过这个说法，在他在实际演奏中却实践了这一理论。可以想象，早期钢琴那种全木结构的“瘦弱身躯”怎能架得住如此力量的“摧残”，据说经常会有钢琴在李斯特手下“骨断筋折”。1835年美国人豪金斯在钢琴上装了三角铸铁架，这不仅使钢琴变得坚固多了，还从音色和音量上彻底改变了钢琴的面貌。由于铁架能承受琴弦的拉力要比木架大，从而可以使用更粗的金属弦，同时也可以将弦调得更紧使音高略高于以往，这样便使钢琴的声音更加洪亮。同时，铸铁架的使用还改变了共鸣箱的材质，从而使钢琴的音色变得更具有金属的光泽，更富于穿透性。与之相应的，钢琴击弦机也发展得越来越灵敏，琴键的触感也变深变重。这都为钢琴成为可以在大型剧场中进行独奏的乐器创造了“硬件”上的条件。也正因为如此，此时的演奏家必须使用其身体上一切可以调动的力量，才能把这件比以往加大了份量的乐器的潜力充分展现出来。同时，对于演奏者身体灵活性的要求不但没有放松反而进一步提高了，因为此时钢琴的音域已经扩大到与代钢琴基本一致的宽度。面对加宽的键盘，演奏者需要强化的不仅仅是手指和掌关节的灵活性，还有手腕、手臂、肩部、腰部等各个关节的灵活性。因而钢琴演奏从手指到肩部开始变为一项整身的运动，这在很大程度上是因为演奏者手下的乐器不再是一个令人无奈的“贫矿”，而是一个可以令人眼花缭乱的“宝藏”，我们再也不能“一锹一锹”的挖了，而要使用多种先进的手段尽可能的使其中的“宝藏”显身。
从第三次变革以后，钢琴这一乐器除在踏板和尺寸方面仍有一些改良外，在整体结构上再也没有产生过什么重大的突破。钢琴的演奏技术的发展也没有再发生过什么革命性的转变，基本上仍沿袭李斯特的演奏法，只是使其更加科学化、多样化了。

（修改：jialin1976 2004-07-09 22:36）